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Las crisis generan incertidumbre, la sensación de lo incomprensible; y, seguramente, la imposibilidad del consenso. Pero está bien que así sea. El 2001, a la vez que expuso como nunca el quiebre del tejido social, dio lugar a nuevos lazos de solidaridad, y a la multiplicación y dinamización de los colectivos artísticos.
Por María Eugenía Vidal
15 directores presentaron desde el martes 3 al sábado 17 de diciembre, en el Centro Cultural Matienzo, 15 performances breves sobre lo que sucedió hace 10 años, un 20 de marzo de 2001.
En cada una de las 5 funciones del ciclo, tres directores teatrales mostraron trabajos creados especialmente para el ciclo. Hubo obras de Maruja Bustamante, Lisandro Rodríguez, Santiago Gobernori, Nahuel Cano, Rubén Sabadini, Paula Baró, Francisco Lumerman, Agustina Gurevich, Emmanuel Medina, Pablo Ragoni, Marcos Perearnau, Cristian Cutró, Nacho Ciatti, Claudio Mattos y Melina Marcow.
Participé de la última función, justo 3 días antes del décimo aniversario de la renuncia de Fernando De la Rúa. Se expresaron varias cosas: historias reales, retórica, imágenes conceptuales, sarcasmo, elementos que no nacen ahora, pero que sí es notable que tomaron forma.
CONVERSACIONES 1: UNA CUESTIÓN DE DIGINIDAD. Cuando hablo de historias reales me refiero a la entrevista que le hizo el director Lisandro López a Pablo Solana. Un electricista y diagramador que, entre 2002 y 2003 coordinó y participó de la creación del libro "Darío y Maxi, dignidad piquetera". Su relato se basó en repasar su militancia en el Movimiento de Trabajadores y Desocupados de Lanús y en el Frente Popular Darío Santillán.
Durante un tiempo que no pudo ser contenido como las otras dos performances por el interés de las experiencias de Solana, Lisandro y Pablo conversaron sobre los días en que Solana acompañó a Darío Santillán hasta que fue asesinado por la policía en el Puente Pueyrredón en junio de 2002.
ÉSTAS, Y TODAS LAS COSAS QUE HACEN LAS VECES DE. Años antes del 2001 la gente tenia miedo de hablar. Y no es una metáfora. De la misma manera se distanciaba cada vez más lo público de lo privado. Esta obra describe cómo lo subjetivo de todo ser humano es intervenido por el mundo exterior y es el resultado de este encuentro lo que provoca el desenlace. Cómo se privilegia la cantidad ante la calidad. Y cómo un mismo hecho puede tener varias interpretaciones según esa subjetividad antes mencionada.
Nadie confía en nadie, ni siquiera en la autoridad. Desconfianza a todo nivel, incluso de nosotros mismos. Y está bien. Pero, ¿quiénes somos?
Cosas que se dicen y se desdicen, y el dicen que dicen que dicen. Hoy nos damos cuenta que aquellos medios de comunicación a los cuales se los analiza con la ética que ellos mismos no ejercen, ya no son lo mismo. Las tapas de los principales diarios culpaban a la crisis, crearon un responsable abstracto. Los muertos fueron asesinados por gente con nombre y apellido, pero las tapas prefirieron callarlo.
Todos y todas sabemos que en cualquier sociedad conviven los abusadores y los abusados. Los primeros van cambiando de rostro pero son quienes presionan para instalar su abuso por encima de otros. El siglo estaba comenzando y la catarsis también. Años de decisiones políticas y económicas para nada populares fueron un método macabro de enseñanaza para el pueblo. La participación en las protestas fue consciente, voluntaria. Algo empezó a gestarse, una nueva civilización.
ODISEA 2001. Abordar el desenlace de la crisis no es fácil. Menos lo fue hace diez años cuando todas las reacciones se volvieron impulsivas y espontáneas. Hoy podemos observar ese pasado con otra mirada, más panorámica. Más científica, ¿por qué no? La pregunta es, ¿con cuál de todo los elementos recogidos hasta hoy nos quedamos? Miles de imágenes pasaron delante de nuestros ojos. Y no faltó quien disfrutara de la situación, quien estuviera de acuerdo con ese presente. Un presente, que desde otra visión, también creo libros, documentales, programas de televisión... obras de teatro. La economía iba a cambiar, las empresas iban a colapsar, la gente iba a reaccionar. A partir de eso comenzó el relato que acompaña a esta obra que indefectiblemente te lleva a reconocer la ideología reinante. Un momento, que con el paso de los años, parece haber sido necesario para estar donde estamos hoy. Lo positivo de esa etapa fue generar un proyecto a futuro, reconocer a quien engaña y a quien juega con todas las cartas sobre la mesa.
El martes 20 de diciembre se llevó a cabo una actividad interdisciplinaria, en el aniversario del día D de la crisis. Fue el último día para visitar la videoinstalación "Fachadas en crisis", pero además hubo "visitas guiadas críticas", lecturas y una performance especial a cargo del equipo de teatro del Club Cultural Matienzo.
Dos artistas alemanas deciden hacer algo con todo el material recopilado, y surge la videoinstalación, que consigue un premio importante en Stuttgart. A partir de allí, el contacto con las autoras y la presentación de la videoinstalación en Matienzo.
Hay que decir también que la videoinstalación no se concentra en los días de diciembre de 2001, sino en el impacto que tuvo sobre el entramado social, la confianza en las instituciones, la seguridad, etc. El tema de la percepción de inseguridad aparece como algo clave.
El grupo de teatro de Matienzo está compuesto por: Paula Baró, Agustín Jais, Belén Charpentier, Melina Marcow, Agustina Gurevich, Claudio Gorenman, Nicolás Lodigiani, Sabrina Cassini, Rocío Caliri, Maia Tarcic y Tamay Zieske.
Matienzo es un escenario y una galería, como también, un colectivo interdisciplinario de artistas, curadores y productores interesados en abordar procesos de gestión colectiva.
Esta postura es coherente con todo el desarrollo que viene llevando adelante el Club Cultural Matienzo, cuya mayor apuesta es la creación de comunidad, la producción de vínculos y redes mediados por la producción estética.
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El Grupo de teatro callejero La Runfla está presentando su versión del Drácula de Bram Stoker. Muchos son los abordajes que se han hecho del mito del vampiro en los diversos lenguajes artísticos, pero entre las páginas de la novela de Stoker se encuentra la esencia del mito.
Por María Eugenia Vidal


La Runfla viene trabajando y experimentado una forma de abordaje para la actuación en espacios abiertos.
Sus integrantes cumplen 20 años de permanencia con este ritual callejero y comienzan a celebrarlo con este nuevo espectáculo basado en el mito de Drácula.
Muchos son los abordajes que se han hecho del mito del vampiro en los diversos lenguajes artísticos, pero entre las páginas de la novela de Stoker encontraron lo que consideran es la esencia del mito.
A la que suman también la sugestiva historia del verdadero conde Vlad Tepes - Dracul.
Tomando como base que Drácula se traslada siempre para tomar otras tierras para saciar su sed, los espacios son:
Lugar de recepción, una escena de advertencia de la gente para no ingresar al castillo, llegada al castillo con el recibimiento del conde Drácula con sus vampiresas, entre fuegos que invitan a entrar al castillo; otro lúgubre espacio donde se suceden las escenas hasta la partida de Drácula a Inglaterra donde los gitanos que lo llevan invitan a trasladarse a un nuevo espacio.
El cementerio y el hospital manicomio son los lugares a visitar donde las escenas se alternan hasta que finalmente se va tras el vampiro. En el último espacio los personajes de la recepción entregarán los certificados de concurrencia sólo a los que lleguen al final de la historia.
Estos espacios son ubicados dentro de lo que el paisaje natural sugiere tratando de climatizarlo con la música original y luces suficientes para que se pueda ver.
El Parque Avellaneda es uno de los territorios que los medios de comunicación usan para hablar monotemáticamente de la inseguridad, y la forma sensacionalista de comunicarlo han hecho aumentar la paranoia. Esto hace que se torne más violenta la relación de los transeúntes en la vida cotidiana. El espacio público no duerme y en el afán de La Runfla por compartirlo a través de sus espectáculos les hace comprobar que el peligro que puede o no existir poco tiene que ver con el horario o con la cantidad de gente que lo habita.
A las cuatro de la madrugada o al anochecer no deja de ser interesante por su silencioso aire más puro y sobre todo para ver juntos que más tarde o más temprano todavía amanece.
La Runfla produce y promueve el teatro callejero siendo hoy el principal grupo en esta disciplina de Argentina. Todos los espectáculos que realiza son al aire libre y el público puede acceder a ellos en forma gratuita. Su director comienza a desarrollarse en el teatro de calle como integrante fundador del mítico grupo “Teatro de la Libertad”. Desde entonces ha desarrollado un trabajo ininterrumpido en pos de instalar al teatro callejero dentro de la producción teatral de la ciudad de Buenos Aires y del interior del país, produciendo impactantes montajes.


[Funciones] 
domingos a las 2:30hs (sábado a la madrugada)
Última Función: domingo 17 de Diciembre
Parque Avellaneda: Av. Directorio y Lacarra.
Informes: 4672-5708 - 1565231758
Colectivos: 4,5,7,36,46,49,50,55,56,86,88,92,97,103,104,107,114,126,141,155,180,182
Entrada: libre y gratuita (a la gorra)

[Ficha artístico técnica] 
Actúan: Gabriela Alonso, Victoria Egea, Javier Giménez, Leandro Maidana, Lucía De Biasi, Pablo Otero, Fernanda Sancinetto Sayus, Lorena Urrutia Núñez.
Dispositivo Aéreo, diseño e instrucción de actores: Andrés Criniti.
Música Original: Sergio Sainz.
Vestuario: Stella Rocha.
Escenografía y Utilería: Stella Rocha, Osvaldo Rocha, Juan Carlos Benítez.
Operación de Sonido y Luces: Franco Alvárez, Graciela Verón.
Fotografía: Mauricio Grosso.
Asesoramiento Wings: Nasmah
Prensa: Simkin & Franco
Dirección y Puesta en Escena: Héctor Alvarellos.
Duración: 105 minutos
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Mercedes Funes encarna a una muchacha que ensaya en soledad cómo y por qué matar a su madre.

por María Eugenia Vidal

Surgen los sentimientos menos racionales y llenos de contradicciones de una relación compleja entre una hija y su madre: la necesidad de afecto junto a la falta de libertad que genera ese mismo afecto.

Eduardo Rovner se mete en el terreno de las relaciones familiares de manera seria y elocuente. La actuación exacta de Mercedes Funes transita por la angustia y la locura pero sin caer en ninguna caricaturización, dando cuenta de su sapiencia para el personaje.

El dramaturgo pulsa las varias voces del personaje de este monodrama de vínculos primarios.

Psicoanálisis y poesía se combinan en este unipersonal que indaga sobre la relación más compleja que arrastra toda mujer, sobre la visión particular y subjetiva de una hija que proyecta sus fracasos y vislumbra su propia culpa. Excelente trabajo del dramaturgo Eduardo Rovner que nos brinda un texto cargado de matices y la certeza de que una madre es un espejo donde preferimos no mirarnos.

De la notable actuación de Mercedes Funes es que apañamos y criticamos a esta hija y a sus razones para el asesinato de su progenitora. Contradicciones y frustraciones conforman Te voy a matar, mamá.

El trabajo de dirección de Eduardo Rovner es perfecto y a punto para esta historia tan delicada y profunda.

¡Y qué maravilloso es que un universo cargado de tanta sensibilidad femenina sea escrito por un hombre!


[Ficha Técnica] 
Autor: Eduardo Rovner
Actuación: Mercedes Funes
Asistencia De Dirección: Javier Delgado
Vestuario: Ana Sellan
Musicalización: Pablo Rovner
Iluminación: Miguel Morales
Producción Ejecutiva: Rubén Sibilia
Prensa: Simkin & Franco
Co-Dirección: Fabi Maneiro
Dirección: Eduardo Rovner

[El autor] 
Eduardo Rovner fue vicepresidente de 17 Congresos Internacionales de Teatro Iberoamericano y Argentino.
Fue Profesor Titular de las materias “Taller de escritura dramática” y “Creatividad” en la Escuela Nacional de Arte Dramático y de la materia "Dramaturgia" en la Maestría en Teatro Argentino y Latinoamericano de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, Desarrolla hoy una intensa actividad realizando talleres y seminarios en Universidades de diferentes países.

[Funciones] 
Domingos a las 20hs
Teatro La Comedia, Rodríguez Peña 1069
Informes: 4815-5665 / 4812-4228 Entradas: $70
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Canción de amor atrapa la música en los lugares donde está tan naturalizada que casi no le prestamos atención. La música funcional de shoppings u hoteles alojamiento registrados con indisimulable virtuosismo, desfilan en este documental para darle la razón a Sir Paul McCartney.


Por María Eugenia Vidal




“Podría pensarse que la gente ya está cansada de tontas canciones de amor / Pero miro alrededor y veo que no es así”, cantaba Paul McCartney. Y esos versos parecen guiar la cámara de Karin Idelson en esta exploración de las “aplicaciones populares” de las canciones románticas. Hits pegajosos de los ‘80 y de antes también, Canción de amor los atrapa en los lugares donde está tan naturalizada que casi no le prestamos atención pero también, y especialmente, en los más ocultos o insólitos. Coros multitudinarios que interpretan a Queen, la música funcional de shoppings u hoteles alojamiento y un largo etcétera registrado con indisimulable virtuosismo, desfilan en este documental tan curioso como lúdico para darle la razón a Sir Paul.

La directora salió a recorrer la ciudad con la firme decisión de improvisar todos los planos y con el placer que da la incertidumbre cuando se retratan cosas desde ángulos inciertos. “La música se puede abordar desde muchos ángulos: desde las notas que se utilizan en la misma, por ejemplo, y yo me enfoqué en cruzarla con la ciudad y lo que genera en el lugar donde es pasada”, retrata Karin en la publicación Proyecto Under.

Canción de amor es un ensayo documental que retrata la forma en que las canciones circulan por la Ciudad de Buenos Aires.

Hay cierto cine de difícil clasificación que transita los límites entre lo documental y lo experimental, y es en esa zona difusa donde podríamos ubicar a Canción de amor, de Karin Idelson.

Canción de amor busca dar cuenta de eso que hace la música con nosotros y con el mundo.

Se estrenó en julio en las salas porteñas y la realizadora y fotógrafa Karin Idelson realiza un “experimento de observación” que registra de manera fragmentaria a distintas personas.

“Ya venía trabajando con fotografías o dirigiendo un programa de TV de entrevistas y retratos a distintos músicos”, afirmó Idelson en relación a la necesidad íntima que la impulsó a realizar esta película.

“Y lo que yo sentía es que cada vez que una canción aparecía transformaba un poco cada situación. Ese poder de transformación que la música tiene sobre las personas fue lo que me propuse buscar con este documental”, agregó.

Son hombres y mujeres comunes a los que Idelson retrata y une a través de las canciones de amor que escuchan o interpretan.

“Yo creo que no son banales y que nos modifican día a día aunque no nos demos demasiado cuenta”, sostuvo la artista.

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[Ficha técnica]


2011/ 58' / COLOR

Género/s: Documental

Director: Karin Idelson

Guión: Karin Idelson

Fotografía: Karin Idelson
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Una obra de Silvina Ganger que lleva a escena la idea que Hollywood nos ha formado sobre lugares exóticos como África. Tres mujeres que desaparecen en la selva. Una historia de aventuras, protagonizadas por dos argentinas cooperantes en una ONG y una enigmática y particular mujer que azarosamente se involucra en la misión de las porteñas. Lontano es un flash back de sus últimos días y una invitación a descubrir el misterioso destino final de las jóvenes. Un original texto y el artificio teatral presentado en su máxima expresión.

por Maria Eugenia Vidal


Una historia conmueve a la reportera y aspirante a escritora Nora Prieto mientras que su compañera Jenifer García intenta mantener el foco en el trabajo comunitario. Luego de algunas semanas de convivencia tres argentinas desaparecen en la selva. Lontano es un flash back de sus últimos días y un intento por descubrir el misterioso destino de las jóvenes.

La directora sabía que quería jugar con el cine de Hollywood y con la construcción que éste mismo hace de “lo exótico”. Para poder llevar el universo del cine al teatro utilizó ciertos procedimientos fílmicos como el flashbacks. Volviéndose el intertexto fundamental de la obra.

Se comenzó a trabajar sobre una hipótesis de dramaturgia que propuso la autora Silvina Ganger: 2 mujeres se ven sorprendidas por la llegada de una enigmática mujer que llega de la selva. La historia se enmarca en una especie de docu/ficción teatral y se reconstruye a partir de los escritos de uno de los personajes.

La directora reconoce que nuestra imagen de África está condicionada por el cine que llega de Hollywood y da cuenta de ello en tanto se nutre de sus películas para construir algunos aspectos del relato dramatúrgico.

En cuanto a las interpretaciones se propusieron lograr un código común que se sume a la artificialidad que propone cada situación pero para conseguirlo fue fundamental intentar encontrar la "verdad" de cada personaje. Por el contrario el camino no sería enfatizando la artificialidad en las actuaciones sino encontrando la verdad del aquí y ahora.

Las situaciones se conectan entre sí a través de una voz en off que les permite introducir el código de documental. Colabora con la idea de los primeros planos que también los llevan a un lenguaje cinematográfico.

En cuanto a la creación de los personajes y teniendo en cuenta la posibilidad de experimentación que brinda Polonia, el objetivo fue generar un terreno fértil de creación que permitiera experimentar y equivocarse. Intentar trascender los lugares de confort de cada actriz y de los directores y ver qué hay más allá. Encarar la construcción de cada personaje desde un ángulo y al siguiente ensayo cambiarlo radicalmente. Esto hasta encontrar la esencia de cada una de las tres mujeres, una esencia que les permita a las actrices entrar en este código de artificialidad sin hacerse cargo de él, jugar las escenas y contar una historia.

[Ficha artístico-técnica]
Actúan: Laura Fontenla, Clarisa Hernández, Silvina Ganger
Espacio Escénico: Sol Soto
Iluminación: Ricardo Sica
Colaboración en Vestuario: Paula Bianchini
Post Producción de Sonido: Andrés Becker
Operación Técnica: Diego Becker
Voz en off: Ricardo Alanis
Diseño Grafico: Victoria Basualdo
Colaboración Dramatúrgica: Virginia Mihura
Producción General: Espacio Polonia, Lontano Teatro
Prensa: Simkin & Franco
Dramaturgia: Silvina Ganger
Dirección: Virginia Mihura, Silvina Ganger, Claudio Mattos
Duración aproximada: 60 minutos

[Funciones]
Jueves a las 21hs
Espacio Polonia: Fitz Roy 1477 (timbre rojo)
Informes: 39659549
Entrada: $30. Est y Jub $25
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Alfredo Li Gotti es de esas personas que felizmente existen en nuestra sociedad y que hacen de su pasión algo que trasciende la mera satisfacción personal y que se irradia solidariamente entre la gente que lo rodea. A los 85 años, mantiene viva su pasión cinéfila.


Por María Eugenia Vidal


El film muestra a otros coleccionistas, cinéfilos, críticos, y familiares, que conocen en profundidad la vida de Li Gotti, y al mismo tiempo, revelan el fascinante mundo del coleccionismo cinematográfico. Es un documental sobre el coleccionista y su devoción por el cine.

La admiración profunda del protagonista por Juan de Dios Filiberto, su paso fugaz por el mundo de la lírica y por los teatros de la calle Corrientes en la década del sesenta; el rostro de la niña que veía al asomarse durante su adolescencia por el contrafrente del edificio y a la que dedicaba sentidas canzonettas a voz en cuello, todo ello es parte del feliz anecdotario que la película desgrana sin jerarquizar y bajo cuyo tono de levedad acaso se esconde una gracia secreta: Alfredo Li Gotti. Quienes nos ofrecen sus testimonios: Fernando Martín Peña, Enrique Bouchard, el hijo de Félix Luis Giuliodori, el nieto de Li Gotti, Luciano Monteagudo; estos son coleccionistas, cinéfilos, críticos, y familiares.

Dirigida por Roberto Ángel Gómez, el filme cuenta la historia de Li Gotti, uno de los más importante coleccionistas de cine de Argentina. A los 85 años, mantiene viva su pasión cinéfila.

Todos acompañan su voz de Li Gotti que con una natural verborragia da sustancia al personaje coleccionista, apasionado del que siempre se aprende que el cine antes que nada es una cosa hecha de materialidad que hay que atesorar. Con mucho esfuerzo y sin abandonar el trabajo de toda la vida, pudo alcanzar un sueño surgido desde la voluntad de exhibir y compartir su material: tener su propia sala cinematográfica en su casa, y es en ese espacio donde proyecta gratuitamente sus películas desde hace más de 20 años.

El trabajo de Gómez va recorriendo la memoria de Alfredo Li Gotti como librado al capricho de los recuerdos. Centrado en la figura de este coleccionista argentino, el documental se sumerge en el mundo del coleccionismo cinematográfico y de la cinefilia a partir de una serie de preguntas e inquietudes que con el correr del metraje y de los testimonios de diferentes voces relacionadas con el cine encontrarán varias respuestas.

En un filme que recorre su vida y su obsesión, Li Gotti queda presentado como un hombre noble y amable, de esos coleccionistas que saben compartir los tesoros conseguidos, al punto de tener una sala propia en la que proyecta su colección para el público, en forma gratuita. "El olor de un rollo es algo único" dice mientras recuerda emocionado a su amigo Félix Giuliodori, nombre que lleva la sala en su homenaje y coleccionista de cine mudo.

Cuando el director se enteró de la existencia de Alfredo Li Gotti, aún sin conocerlo personalmente, sintió la firme voluntad de realizar una producción audiovisual. Constituyendo, una verdadera metáfora existencial, que trasciende el ámbito de la pantalla para adquirir un carácter universal, enteramente humano.


[Ficha técnica]

TITULO ORIGINAL: Alfredo Li Gotti. Una pasión cinéfila

ORIGEN: Argentina.

DIRECTOR: Roberto Ángel Gómez.

FOTOGRAFIA: Emiliano Penelas.

GUION: Roberto Ángel Gómez.

MÚSICA: Pablo Yanis.

GENERO: Documental.

DURACION: 77 Minutos

PAGINA WEB: www.unapasioncinefila.com.ar

DISTRIBUIDORA: Independiente
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Woyzeck es la tercera obra de Georg Büchner. Al igual que La muerte de Danton, se inspira en un antecedente histórico, el informe forense de J.C.A. Clarus sobre un individuo que había sido condenado a muerte, y cuyo caso había despertado un acalorado debate jurídico-médico acerca de la responsabilidad del reo en un crimen.

por Maria Eugenia Vidal

Woyzeck es humilde, bondadoso, muy sumiso, no comparte la ética de la forma de vida establecida, por lo que es un marginado. Resulta un verdadero hallazgo la construcción de la atmósfera futurista que crea la puesta en escena, en donde la sociedad, más que un entramado de relaciones, aparece como una máquina social infernal, aplastante, en donde cada pieza contribuye al funcionamiento del todo.

Büchner recrea el episodio y cuenta la historia de Friedrich Woyzeck, un soldado raso que hace trabajos extras para un capitán y se entrega a los experimentos perversos de un médico, para mantener a Margarita, su amante, y al hijo ilegítimo que ha tenido con ella. El acompañamiento de la historia es un intenso trabajo en el aspecto sonoro, que incluye musicalización y una serie de intervenciones cantadas a cargo de las mujeres-coro.

La gran problemática del sometimiento a órdenes impuestas de manera tirana y predeterminada gira en torno a Friedrich Johann Woyzeck, haciéndolo pensar, inquietarse, cuestionarse aspectos que son fácilmente transferibles a los parámetros, según los cuales, se rige la vida en sociedad de hoy. Es nada más que un cuerpo que cada día habrá de pelear por lo elemental, y que cada día será humillado.

Woyzeck no busca un lugar en el mundo, no lucha contra el doctor y el capitán que lo utilizan y lo humillan diariamente, busca abrirse paso entre ellos y encontrar un camino que le permita encontrar su propia identidad. Georg Büchner logra que un paria alcance la envergadura trágica de los héroes griegos o de los reyes shakespeareanos.

Gonzalo Facundo López es el autor de esta versión sobre la explotación y la frustración del soldado Woyzeck: un ex soldado y barbero de baja clase social que, el 3 de junio de 1821, apuñaló hasta matar a la mujer con la que vivía.

La torpeza de la lengua de Woyzeck lo separa de nosotros y del mundo, como lo vuelve un extraño frente a sí mismo. Es un soldado que vive despreciado bajo las órdenes de sus superiores, una situación que lo conducirá a cometer un terrible crimen con su pareja.

Basada en la historia real de Friedrich Johann Woyzeck y considerada precursora del estilo expresionista alemán, Woyzeck trata los efectos deshumanizadores que tienen un doctor, una mujer y los militares en la vida de un joven soldado.

A mí me gustó y, como supongo que el autor y los responsables de la puesta en escena pretendían, me ha hecho pensar sobre el fondo de la historia del pobre soldado Woyzeck.


[Ficha técnico-artística]
Autoría: Georg Büchner
Adaptación: Gonzalo Facundo López
Actuan: Exequiel Abreu, Paola Cappellari, Celina Contín, Mariano Karamanian, Ariel Mele, Alejandra Mikulan, Paloma Santos, María Viau
Asistente de producción: Alejandra Mikulan
Asistencia de dirección: Victoria Casellas
Dirección general: Gonzalo Facundo López
Web: http://www.woyzeckteatro.blogspot.com

[Funciones]
DELBORDE ESPACIO TEATRAL
Chile 630
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas: 4300-6201
Web: http://www.delborde.com.ar
Entrada: $ 50,00 y $ 30,00 - Sábado - 23:30 hs
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Cine hogareño, familiar, amateur. En tono de comedia, la nueva película de Néstor Frenkel (Buscando a Reynolds, Construcción de una ciudad), acompaña la agitada vida de Jorge Mario, un habitante de la ciudad entrerriana de Concordia que además de odontólogo y cineasta amateur, conduce su propio programa de radio, es filatelista, fue basquetbolista, experto en tiro al blanco y ahora dirige un Club de Niños Exploradores.



por Maria Eugenia Vidal




La película Amateur cuenta la historia de Jorge Mario un habitante de la ciudad argentina de Concordia, odontólogo de profesión. Hoy, a los 70 años de edad y 40 años después de la realización de su western al que llamó “Winchester Martín”, este autodidacta quiere filmar su propia remake.

Amateur es una buena película, en el sentido ético de la palabra. Surgió de la suma de muchas cosas.

Es el tercer largometraje de Frenkel y al igual que los anteriores eligió contarlas en formato documental, aunque en su latente film afinó la atención hacia retratar un personaje en cuestión, y pasar por varias tramas narrativas como el found footage, el documental y la ficción, lo que genera una contundencia en el mensaje en cuanto a su significado, proponiendo de alguna manera un cine más libre. Después de verla te das cuenta que ama lo que hace.

Pero además del retrato de este hombre tan peculiar, quien entre otras cosas lleva un registro detallado de las más de 13.000 películas que vio en su vida, Frenkel ensaya un homenaje al cine amateur y al Súper 8 milímetros, con una introducción donde compone un collage de imágenes de cumpleaños, fiestas, viajes, casamientos, mascotas y muchas otras actividades filmadas por personas anónimas en ese formato de cine hogareño. El Jorge Mario que escuchó el director el día que lo conoció no es muy diferente del que se puede ver.

Amateur es una película que todos los concordienses deberían ver porque encierra una gran lección de vida a lo largo de sus 78 minutos de duración y esencialmente por que es totalmente local. Con la evolución de la técnica, paulatinamente las cámaras y los reproductores se hicieron económicamente accesibles y llegaron a los hogares.

Amateur tiene momentos desopilantes, hábilmente manejados por el director, quien nunca deja de mostrar a Jorge Mario con respeto, aunque la manera en que el señor organiza sus múltiples actividades provoque risas. Jorge Mario es dentista en Concordia, pero también es un hacedor de filmes en Super8, líder Boy Scout, cinéfilo y conductor de un programa de radio.

Definitivamente Amateur es una muy buena película realizada con inteligencia y maestría; siendo el cuarto largometraje de Néstor Frenkel, que fue presentado en el reciente BAFICI donde fue muy elogiado y reconocido por el periodismo cinematográfico.




[Ficha Técnica]

Dirección: Néstor Frenkel

Guión: Néstor Frenkel

Intérpretes: Jorge Mario - Ofelia Graziano de Mario

Producción: Sofía Mora

Fotografía: Diego Poleri

Montaje: Néstor Frenkel

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Todos los domingos se presenta "Una Felicidad Posible" en el Teatro Querida Elena. En sus agonías se revela el deseo, la esperanza, la posibilidad de ser feliz. En su recorrido: la consciencia de una felicidad que no se puede tomar, la idea de una felicidad absoluta, la ira y el dolor, la desgarradora impotencia, la resignación, de nuevo el deseo, la esperanza, la felicidad posible. Una actriz...
Por Maria Eugenia Vidal

Monólogo dulce y desesperado que recorre textos de Clarice Lispector, con un respeto afiebrado por la palabra de la escritora, Una felicidad posible es el homenaje de una fanática, pero también la mirada de una joven sobre los distintos estadios de la vida, hilados por el deseo. A medida que recuperamos la palabra, el saber y nuestro cuerpo; a medida que alguna autonomía e independencia económica nos hacen más ciudadanas, es decir, a medida que se nos reconoce alguna autoridad, la idea de una felicidad posible adquiere sentido.
“Definitivamente me cambió la vida”, desliza Ana Luz Kallsten, quien en algunos momentos de una entrevista brindada a Página/12 habla como una lectora corriente, mientras que en otros brinda detalles de Una felicidad posible, obra de la que es autora y única actriz. "Buscamos homenajear a Clarice Lispector por su capacidad y su genio para abordar lo femenino y la relación con el deseo y la felicidad. El planteo escénico intentará traducir teatralmente esta reflexión sobre el universo femenino y el género humano en su totalidad".
Una actriz bella y glamorosa, y a la vez, corriente y ordinaria, se propone encarnar tres cuentos de la escritora, los cuales retratan tres momentos de la historia de este personaje que intenta abordar. Una actriz atravesada por sus imposibilidades expresivas y por reiterativas obsesiones acerca de la existencia, el amor, el sentido de la vida y la siempre deseada e inabarcable felicidad.
Clarice Lispector es considerada una de las más importantes escritoras brasileñas del siglo XX. Pertenece a la tercera fase del modernismo, el de la generación del 45 brasileño. Ha sido muchas veces comparada a sus contemporáneos Virginia Woolf y James Joyce por compartir el uso del flujo de conciencia, aunque ella no los hubiese leído todavía al publicarse sus primeras novelas, donde ya adoptaba la técnica. Lispector ha sido vinculada por algunos críticos y biógrafos a una literatura de fuerte carácter femenino y feminista, tratando siempre de temas intimistas y de profundo carácter psicológico.

[Ficha técnico-artística]
Sobre textos de: Clarice Lispector
Actuan: Ana Luz Kallsten
Vestuario: Claudia Grisolia, Ana Luz Kallsten
Escenografía: Claudia Grisolia
Producción ejecutiva: Leticia Hernando, Patricio Pereyra
Dirección: Gabriel Peralta, Viviana Suraniti
Web: http://www.unafelicidadposible.blogspot.com

[Funciones]
QUERIDA ELENA
Pi y Margall 1124
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4361-5040
Web: http://www.queridaelena.blogspot.com
Entrada: $ 35,00 - Domingo - 14:00 hs
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Con estreno reciente, “Juntos para siempre” es una película en la que su director, Pablo Solarz, hace gala de su muy bien logrado oficio de guionista mirándose el ombligo. Es una comedia clásica, sencilla, lineal y poco asfixiante.

Por Maria Eugenia Vidal

El director padece ciertos temas y quiso reflexionar con la sátira romántica de tono oscuro y cómico, de destino negativo y tratamiento ácido, que se propone hurgar, con humor, en la mezquindad humana, en el miedo a lo que sentimos de verdad, en la desesperación que nos produce la idea de quedarnos solos por un rato y que nos lleva, literalmente, a pelear toda la vida para mantenernos juntos para siempre. Este es el debut como director de Solarz, antes conocido como guionista de Carlos Sorín y Juan Taratuto, y su incursión tras la cámara no deja dudas de sus avances.

Juntos... es una sátira romántica. Por el camino de las relaciones de pareja transita la ópera prima de Pablo Solarz.

Y así ocurre con Juntos para siempre, que, si bien es una comedia, tiene tintes trágicos en su tramo final. Tiene como figuras centrales a Peto Menahem, Malena Solda, Florencia Peña, Mirta Busnelli, Sergio Boris, Luis Luque y Silvia Kutica, y fue recibida con aplausos en la última edición de la muestra Pantalla Pinamar.

Pablo Solarz, responsable de los libros de películas como "Historias mínimas", "Un novio para mi mujer" y "¿Quién dijo que es fácil?", estrenó “Juntos para siempre”, su primera película como director, a la que definió como "una sátira romántica que invita a reflexionar sobre las relaciones humanas". Aborda la historia de un guionista de cine que se separa de su mujer y la remplaza por otra, sin detenerse a hacer un duelo ni permitirse sufrir, mientras su depresiva madre le revela secretos dolorosos de su infancia.

Juntos para siempre es bien distinta a otras comedias románticas. Contrariamente a lo que opinan algunos críticos, me resultó una película muy interesante.

"Lo tiramos y ya está, en qué pareja con varios años de estar juntos no sucede algo así", es la respuesta más o menos inmediata que se le ocurre decir al muchacho, a su asombrada y sollozante mujer, cuando ambos deciden sacar un sillón a la calle porque su mujer le confiesa que hizo el amor con su vecino en ese mismo sillón. Según la trama, Javier Gross es un guionista de suerte dispar, con películas buenas y otras no tanto, pero, en la mayoría de los casos, películas que forman parte de su vida cotidiana.

Gross, el protagonista de Juntos para siempre, es como Solarz, un guionista que se inventa historias para evadirse de la realidad, una realidad que se niega sistemáticamente a admitir. La edición 2011 de la muestra del Encuentro de Cine Argentino-Europeo “Pantalla Pinamar” fue inaugurada el 5 de marzo con la proyección de este largometraje.

Durante la rueda de prensa el actor protagonista dio muestra cabal del trabajo consciente que él y el director hicieron en la construcción de ese personaje pusilánime y por momentos oscuro sobre el que se centra la trama de Juntos para siempre. Y contó que, aunque recién en 2009 “pintó el cine”, la idea de incursionar en el séptimo arte rondaba su cabeza desde hace tiempo y empezó a tramar la película con Pablo Solarz hace seis años.


Ficha técnica:

JUNTOS PARA SIEMPRE

Argentina, 2011

Dirección y guión: Pablo Solarz.

Fotografía: Rodrigo Pulpeiro.

Música: Nicolás Diab.

Intérpretes: Peto Menahem, Malena Solda, Florencia Peña, Mirta Busnelli, Luis Luque, Silvia Kutica, Marta Lubos

2 comentarios
“Pecha Kucha” o “Pecha Kucha Night” es un formato de presentación en el cual se expone un trabajo de manera sencilla e informal. A diferencia de los talleres o conferencias, tiene la particularidad de ser un grupo de exposiciones cortas.


por María Eugenia Vidal

Una idea genial, importada del Pecha Kucha de Japón. Este nombre significa chi-chat en Inglaterra y cháchara en Latinoamérica.



Para quienes no lo conocen, Pecha Kucha Night es un encuentro creado en Japón por un pareja de arquitectos, Astrid Klein y Mark Dytham del estudio Klein Dytham architecture, en el año 2003. Nació bajo una fórmula sencilla: invitar a un grupo de creativos de diferentes disciplinas a compartir sus ideas y experiencias en sólo 6.40 minutos a través de 20 imágenes exhibidas durante 20 segundos cada una.



El próximo martes 28 de junio se realizará la 21º edición del Pecha Kucha Night en Buenos Aires. Se diferencia de otros eventos por su formato de rápida presentación: cada orador tiene un poco más de 5 minutos para exponer su idea.

Pecha Kucha Night transcurre en más de 200 ciudades del mundo; y desde hace 5 años se realiza en Buenos Aires. Ya dijimos que su nombre en japonés significa “cháchara” y eso es lo que sucede una vez finalizadas las presentaciones de los oradores: los invitados se reúnen para intercambiar sus opiniones en un ambiente relajado y lúdico.

Pecha Kucha Night, es un encuentro donde creativos de diferentes disciplinas artísticas cuentan sobre sus trabajos, obras, ideas o proyectos rápidamente a través de 20 imágenes, así la audiencia experimenta una increíble diversidad de presentaciones en un breve período de tiempo. El próximo, un evento especial, tendrá lugar el 28 de junio, en la Ciudad Cultural Konex.



Pecha Kucha es una celebración masiva en todo el mundo. Es un evento de “showcasting + networking” entre creativos.

La 18º edición de los Pecha Kucha Night Buenos Aires, tuvo la particularidad de que uno de los presentadores fue el actor Mike Amigorena, también cantante del grupo Ambulancia. Algunos de los presentadores que esta vez expondrán sus mejores ideas son El Desafío, Grupo Bondi, Tec e Isol.